Con referencias a Joy Division y The Smiths, Turn On The Bright Lights se transformaría en uno de los discos más influyentes de principios de milenio y provocaría una ola de rock indie que entraría con fuerza en la música popular de esos años

Tras 10 años de escribir éxitos para otros, la artista siguió los consejos de James Taylor y decidió interpretar sus propias canciones. Su segundo disco se convirtió en una de las cimas creativas de los 70.

A diferencia de casi todos los grupos con los que compartieron escena durante los años 80, Depeche Mode logró superar el cambio de década con un álbum considerado hasta hoy como su cumbre creativa. Para una banda de pop electrónico que hizo el camino inverso de la fama, Violator les brindó la credibilidad y el respeto años después de lograr el éxit…

Dividido entre el grupo The Faces y su carrera como solista, el artista alcanzó el reconocimiento con su tercer álbum.

El 14 de diciembre de 1979 aparecía el primer disco doble en la efímera historia del punk. La banda se había propuesto romper los estrechos márgenes de ese estilo incorporando sonidos del tercer mundo aunque sin abandonar su férrea militancia.

Con referencias a su niñez traumática, la indomable cantante entregó un disco que daría los indicios de una carrera llena de altibajos que terminó de forma trágica el pasado 26 de julio cuando fue encontrada muerta en su casa, a los 56 años.

El año 2002, el cantautor lanzó Sea Change, un disco afectado y una suerte de crónica sobre el dolor, el despojo y la separación.

Con este disco inauguraron la nueva década con un sello de elegancia pop y letras cínicas que se transformaría en la marca registrada de su exitosa carrera.

El álbum grabado casi en paralelo con Let it be, se transformó en una obra cumbre de la música popular y, de paso, nos dejó la carátula más icónica en la historia del rock and roll.

En el disco de 1971, cambiaron el sol y las olas de California por la conciencia social y el medioambiente, mientras su líder, Brian Wilson, comenzaba a hacerse a un lado como único gestor del sonido del grupo.

Las atmósferas relajadas y la colaboración de la cantante Beth Hirsch transformaron al disco en un éxito fuera de las fronteras del país, aunque el grupo nunca se sintió cómodo con las comparaciones que hizo la crítica especializada.

Este álbum dejaba de lado la crítica social y se enfocaba en las adicciones y los miedos de Jarvis Cocker, al mismo tiempo que servía como un epitafio para la movida del britpop.

Tras conseguir el éxito mundial en 1991 con “Out of time”, R.E.M tenía la difícil tarea de grabar un nuevo trabajo que estuviese a su altura. En vez de continuar la misma senda decidieron dar un viraje hacia dentro este disco. Un melancólico álbum que es considerado como el mejor de su extensa carrera.…

Al mismo tiempo, les permitió sacudirse esa marca de “one hit wonder” que se habían ganado por su sencillo “Creep” y los alejó de esa moda llamada “brit pop”.

El disco “New York” funcionó como una novela de personajes y situaciones que hablaban de una ciudad tan entrañable como decadente: la ciudad que siempre inspiró al fundador de la Velvet Underground.

Provocación, ambición y excelentes canciones fueron los ingredientes claves que hicieron uno de álbumes imprescindibles en la carrera de la artista.

Un receso en su carrera, un viaje por Europa y una serie de desilusiones amorosas configuraron este disco, el trabajo más característico de la artista.

Producido por Brian Eno e influenciado por una gira junto a Neil Young, este disco les otorgó uno de sus éxitos más representativos, que se convertiría en un himno de los años noventa.

Tocando sus propios instrumentos y componiendo su música, el quinteto femenino surgió como una rareza en el mercado y terminó por imponer un estilo visual y musical, ayudado por el flamante canal MTV.

El cuarteto irlandés, que mostraba influencias de los Smiths en sus composiciones, también entregó a la música popular a Dolores O’Riordan, una de las vocalistas más carismáticas de todos los tiempos.

Ese disco, el sexto de la banda californiana, fue lo último que grabó Jim Morrison antes de su muerte y quedó como un testimonio de su legado artístico y personal.

Ese disco, el sexto de la banda californiana, fue lo último que grabó Jim Morrison antes de su muerte y quedó como un testimonio de su legado artístico y personal.

Aunque el álbum se convertiría en el segundo más vendido de su carrera, después de Rumours, el grupo volvió a caer en rencillas personales y adicciones que amenazaron con desintegrar a la banda.

Con este disco la artista británica saludó el nuevo milenio con un testimonio clave y entrañable.

El octavo álbum de la banda se inspiró en el rhythm and blues y en las leyendas del rey Arturo para construir un trabajo conceptual que entregaría su himno más emblemático: More than this.

A mediados de los 90, una joven canadiense rompió la hegemonía masculina del rock de esa época.

Aún herido por la separación de los Beatles y las tensiones entre sus excompañeros, el bajista se recluyó en su granja escocesa y luego viajó a Nueva York para registrar un disco que la crítica no recibió nada de bien.

Su debut como solista en 1981, le permitió conjurar sus fantasmas personales y su reciente divorcio, aunque terminó por convertirlo en un personaje demasiado expuesto al público.

El trabajo, en su arte y música, inauguró una época prodigiosa para los británicos, que lograron sacudirse de los fantasmas que les dejó la década del sesenta.

Con una estética cercana al glam rock y una actitud punk, la banda editó su primer álbum en 1973: el disco homónimo terminaría por influir a varias generaciones en las siguientes décadas.

A punto de renunciar a una carrera que no estaba dando resultados Moby jugó sus últimas cartas con un álbum que parecía destinado al fracaso.

Para editar la primera pieza importante de su catálogo, Tom Petty debió buscar un nuevo productor, declararse en bancarrota y someterse a un juicio hasta que consiguió la libertad creativa que tanto anhelaba.

Apoyados en el éxito mundial del sencillo Bittersweet simphony, el quinteto liderado por Richard Ashcroft dejó de ser la eterna promesa del rock inglés.

El disco debut de la artista la transformó en una inspiración viva para toda una generación que la adoró como la verdadera “madrina del punk”.

Este disco cambió radicalmente su visión de la música: más que un disco, era una reflexión política y social, que redefinió la música negra para siempre.

Su debut en 1994, con el disco “Dummy”, los hizo favoritos en un público que encontró afinidad en sus ritmos hipnóticos, sus guiños al cool jazz y rhythm & blues y la voz de Beth Gibbons, una cantante más cercana al folk que se transformaría en el sello absoluto de la banda de Bristol.

El disco de 1999, se transformó en uno de los fenómenos de las listas británicas y ungió a Travis como una de las bandas más populares del fin de milenio.

El grupo de Las Vegas mostraba una vocación por el new wave de Duran Duran y New Order y sólo mdespués de hacerse conocidos en Gran Bretaña triunfaron en Estados Unidos, donde vendieron siete millones de copias y cosecharon premios Grammy.

Su mezcla de pop y soul de bajas pulsaciones terminaría conquistando el mercado norteamericano e inglés de mediados de los ochenta. De paso, la música de Sade influiría a toda una nuevageneración de rhythm and blues liderada por D’Angelo, Alicia Keys y Maxwell.

Tras despedir a cuatro productores y gastar un presupuesto millonario en el estudio de grabación, lanzaron The seeds of love, el último álbum de la época dorada de Tears for fears y uno de los grandes trabajos que dejó la música pop en la década del 80.

El cuarto disco de la banda de Concepción, se transformó en una exploración de estilos y formas que llevó a la banda a lo más alto de su trayectoria, aunque también marcó el inicio de una nueva etapa llena de quiebres y fricciones.

El trío entregó un disco de 10 canciones que abordaban la realidad social y cultural de Chile, con una agudeza que no se encontraba en la modesta escena musical de principios de la década.

En medio de una depresión, Robert Smith comenzó a crear un grupo de canciones que marcaría el fin de una década prodigiosa para la banda.

Su segundo álbum pondría a prueba la supervivencia de la banda y demostraría, en los hechos, por qué Brett Anderson y Bernard Butler eran calificados como los Morrissey y Johnny Marr de los noventa.

Con 44 años, la reina del rock and roll se impuso en la compleja escena de los ochenta con un puñado de éxitos que la llevarían al primer lugar de los rankings.

Con las guitarras inspiradas de Johnny Marr y las letras crípticas de Morrissey, se transformó en uno de los debuts más sólidos de un grupo que apenas sobrevivió cinco años en escena, pero que dejó un legado que sigue resonando después de cuatro décadas.

Entre 1971 y 1974, Eric Clapton estuvo a punto de acabar para siempre con su carrera musical. El guitarrista británico, ungido como un dios a fines de los 60, había sucumbido a la heroína.

Ese álbum, además de ungirlos como puntas de lanza del movimiento trip-hop, les permitió triunfar en ambas orillas del Atlántico.

Hace cuarenta años Born in the USA convirtió a Bruce Springsteen en un ídolo pop, que peleaba los primeros lugares con figuras como Michael Jackson, Prince y Madonna.